lean a Bono hablar sobre los orígenes de 'Bullet the Blue Sky' de U2 en un nuevo video

El clip es parte de la exhibición 'Louder Than Words: Rock, Power and Politics' en el Salón de la Fama del Rock and Roll

Por Althea Legaspi

20 de mayo de 2016

A lo largo de su carrera, U2 ha sido un activista de los derechos humanos, tanto a través de la música como de las obras. Entre sus muchas obras de caridad, ha participado en la  campaña ONE , que lucha contra la pobreza extrema, y ​​RED , que proporciona ayuda para conseguir medicamentos contra el SIDA en África. Musicalmente, una gran cantidad de canciones de U2 también reflejan su activismo, incluida “Bullet the Blue Sky” de The Joshua Tree . En el nuevo vídeo de arriba, Bono  habla de los orígenes de la canción de 1987.

En el clip, Bono detalla su visita a El Salvador en 1986, que culminó con la creación de “Bullet the Blue Sky” por parte de la banda. En ese momento, Ronald Reagan era presidente y Estados Unidos estaba involucrado en la guerra civil de la región. Bono dice que visitó a algunos estadounidenses que estaban “ofreciendo consuelo a los refugiados en la guerra en El Salvador”.

El pequeño grupo con el que estaba se adentró en las colinas del país. “Recuerdo que el suelo temblaba y recuerdo el olor, supongo, de estar cerca de una zona de guerra”, recuerda el cantante. Y aunque dice que no sentía que estuvieran en peligro en ese momento, sabía que se estaban perdiendo vidas en las cercanías. “Y me molestó, como persona que lee las Escrituras, pensar que los cristianos en Estados Unidos estaban apoyando este tipo de cosas, este tipo de guerra por poderes debido a estos comunistas”. Más adelante añade: “Yo no era comunista, pero sentí que estaba mal”.

Aunque dijo que vio cosas allí “que son realmente difíciles de explicar”, sintió que a través de la banda podían comunicar lo que estaba sucediendo a través de la canción. “Tengo suerte porque soy parte del grupo U2 y son realmente buenos. Tienen la capacidad de expresar pensamientos inexpresables”, dice.

Habló con Edge sobre lo que había vivido en El Salvador y, con un “guiño a Jimi Hendrix”, Edge puso “miedo y odio” en su solo de guitarra en la canción. “Unimos mis sentimientos a la canción 'Bullets the Blue Sky'”, relata.

Luego continuó explicando cómo se desarrolló la letra. “Utilicé el lenguaje de las Escrituras para describir la situación: 'En el viento aullante llega una lluvia punzante / Mírala clavar clavos / En las almas del árbol del dolor / De una luciérnaga, un resplandor rojo anaranjado / Mira el rostro del miedo / Corriendo asustado en el valle de abajo / Disparando al cielo azul”.

En cuanto al personaje que Bono creó y que se describe en la letra como alguien que tiene “una cara roja como una rosa en un arbusto de espinas” y que “está despegando esos billetes de dólar”, ese era Ronald Reagan. “Como estudiante de la no violencia, tuve una reacción violenta ante lo que estaba presenciando”, explica.

El vídeo forma parte de la exposición Louder Than Words: Rock, Power and Politics  , que se estrenará en el Salón de la Fama del Rock and Roll  el 20 de mayo y permanecerá abierta hasta el 27 de noviembre. La exposición, que explora importantes temas sociopolíticos en los EE. UU. a través de la música rock, cuenta con la participación de más de 50 artistas y figuras políticas. También mostrará entrevistas exclusivas con artistas como Bono, David Byrne, Dee Snider, Tom Morello, Lars Urlich, Gloria Estefan, Gregg Allman, Jimmy Carter y otros.

Pedro Guerra presentó el tercer disco de Parceiros lleno de cariño y emoción, en Circo Price de Madrid

Pedro reveló que convocó a 37 artistas para producir canciones y grabarlas y lanzarlas en las redes, como novedades, para animar a los seguidores, y de allí salió Parceiros.

Por Fausto Rosario Adames/Acento.com.do

hace 1 día

Pedro Guerra

Pedro Guerra presentó en Madrid el concierto de su último trabajo discográfico, el tercer disco de Parceiros, y lo hizo en un ambiente cargado de emociones y de ternura.

Nostalgia a todas luces, porque en el concierto, además de sus músicos y compañeros de trabajo de muchos proyectos, y sus patrocinadores del tercer volumen, el equipo de Altafonte, allí se encontraban su madre Lourdes Mansito Pérez (Yuye), su hijo Pedro, su hija Lara, su esposa María Cabrerizo, quien es su manager, y su hermana Lourdes Guerra, además de compañeros de Tenerife, su tierra de la que no se desprende, pese al frío de Madrid en la noche del 23 de enero en Circo Price, en la zona de Palos de la Frontera, muy cerca de Atocha.El concierto se produjo prácticamente a casa llena, y se inició con una de las canciones emblemáticas del primer disco de Pedro, Biografía, para luego traer al escenario a numerosos compañeros de andanzas en la música y la creación de letras de canciones en común, que no es algo frecuente.

Parceiros se inició en la pandemia de Covid, cuando la gente no podía salir a las calles, ni a sus trabajos y había que permanecer recluida. Pedro reveló que convocó a 37 artistas para producir canciones y grabarlas y lanzarlas en las redes, como novedades, para animar a los seguidores. De allí salió Parceiros, que han sido tres hermosas producciones en las que los convidados artistas han puesto poesía, letras, música y voces para acompañar al señor de la humildad y de la música de autor más romántico y productivo, como ha sido Pedro Guerra.

l artista explicó al inicio del concierto que Parceiros es la asociación entre dos artistas para crear una nueva obra, y que ese concepto más que una colaboración o unos simples duetos, trata de embarcar en un viaje a ambos creadores en busca de un lugar único y hasta ahora desconocido para ambos. Son sus propias palabras.

Cinco Rodríguez, en la carátula del disco completo, explica que ”en Parceiros nadie canta las canciones de nadie. Donde Pedro escribe, otros componen y donde Pedro componen, otros escriben”.

Pedro dedica el disco tríptico a su esposa María Cabrerizo, diciendo “Gracias a todas las personas que con su talento, generosidad y dedicación han hecho posible este proyecto. Para María, siempre”.

Es cierto que algunos de los convocados y anunciados para la noche del 23 de enero en Circo Price, como Javier Ruibal, no llegaron. Pero allí estuvieron presentes Pablo Cebrián, Ede, Alice Wonder, Andrés Suárez, Conchita, Valeria, Ismael Serrano y Víctor Manuel y Ana Belén. Se trató de una noche que Pedro Guerra definió como “un remanso de paz”, y en la parte final del concierto, para despedirse, llegó hasta el asiento que ocupaba su madre, junto a su familia, para agradecer la ternura recibida. Dijo que aquel encuentro había sido “un momento especial, lleno de cariño y emocion.

Entre los artistas que participaron en las ediciones de Parceiros se encuentran Juan Luis Guerra, que creó la música para un merengue que Pedro Guerra interpreta con él como primer tema del tercer y último volumen de Parceiros (Siempre queda el amor). Este último volumen cuenta con la presencia de Andrés Calamaro, Víctor Manuel y Ana Belén, Rocío Márquez, Coque Malla, Chico César, Vicente García, Clara Peya, Andrés Suarez, Javier Ruibal y Haydée Milanés.

En el volumen dos se encuentran acompañando a Pedro Guerra los dominicanos Pavel Núñez y Alex Ferreira, con dos hermosas canciones, además de Cruz Cafuné, Ismael Serrano, Juanes, Amaral, Valeria Castro, Leonel García, Judit Naddermann, Muerdo, Alfredo García, Marta Gómez, Pala y Santiago Cruz.

Y en el primer volumen aparecen Bunbury, Alice Wonder, Conchita, Rita Payés, El Kanka, El David Aguilar, Miguel Inzunza, Lenine, Ede, Pedro Pastor, Pablo Cebrián, Marazu y Fetén Fetén.

El público estuvo compuesto por personas de la propia generación de Pedro Guerra, quien lleva ya 30 años en escena y más de 30 discos producidos. Claro, también hubo personas más adultas, algunas parejas más jóvenes y muchos eran una gran cantidad de enamorados que coreaban y entonaban prácticamente todas las canciones que fueron parte de este concierto.

CANCIONESESPAÑAMADRIDMÚSICAPEDRO GUERR

En el aniversario luctuoso de Lenin.

Al morir Lenin,

un soldado de la guardia, según se cuenta,

dijo a sus camaradas: Yo no quería

creerlo. Fui donde él estaba

y le grité al oído: “Ilich,

ahí vienen los explotadores. No se movió.

Ahora estoy seguro que ha muerto.

2

Si un hombre bueno quiere irse,

¿con que se le puede detener?

Dile para qué es útil.

Eso lo puede detener.

3

¿Qué podia detener a Lenin?

4

El soldado penso :

Si oye que los explotadores vienen,

puede que estando solo enfermo se levante.

Quizás venga con muletas.

Quizás haga que lo traigan

pero se levantará y vendrá

para luchar contra los explotadores.

5

El soldado sabía que Lenin

había peleado toda su vida

contra los explotadores.

6

Cuando terminaron de tomar por asalto

el Palacio de Invierno, el soldado

quiso regresar a su hogar, porque allí

se habían repartido ya las tierras de los propietarios.

Entonces Lenin le dijo: Quédate.

Todavía hay explotadores.

Y mientras haya explotación

hay que luchar contra ella.

Mientras tu existas,

tienes que luchar contra ella.

7

Los débiles no luchan. Los más fuertes

quizás luchen una hora.

Los que aún son más fuertes, luchan unos años. Pero

los más fuertes de todos, luchan toda su vida. Estos

son los indispensables.

Bertolt Brecht

David Linch:El artista del inconsciente

Con una filmografía eterna y marcada por el extrañamiento frente al mundo, David Lynch fue un adalid de la libertad. Sus trabajos siempre provocaron a la inteligencia del espectador, a su propia capacidad de juego, de inventiva. En las antípodas del cine más "convencional", el cine de Lynch es un arma peligrosa y divertida a la vez, que desconcierta pero que también da pistas. Así lo homenajea Fito Páez.

La filmografía de David Lynch ha estado marcada por el extrañamiento frente al mundo. Contrariamente a otro tipo de artistas, a Lynch no lo enojaba el mundo. Parecía interesarse más por el absurdo y lo siniestro, como si fueran elementos que fabulan por naturaleza en contra del sentido común, que por intentar transformar lo intransformable. Vieja rencilla estética. Un desafinado humor y los enigmáticos misterios que rodean a sus criaturas aparecen en escena y deslumbran por el marcado erotismo que los envuelve. Borgeano, laberíntico, en su obra nada termina siendo como debería o podría ser. Pero esto no es un recurso posmoderno. Las cosas en Lynch cierran, pero no en un sentido clásico, hitchcockiano. Cierran sensorialmente, para cada espectador como desee. Su cine siempre fue una provocación a la inteligencia del espectador, a su propia capacidad de juego, de inventiva. Sin llegar a ser un juego interactivo, su cine se transforma, casi en las antípodas del cine entendido como convencional, en un arma peligrosa y divertida a la vez, que desconcierta pero que también da pistas. 

El cine de Lynch es un cine de la sensualidad. Su violencia artística consiste en intentar forzar al espectador a la misma experiencia. Esto no lo transforma sólamente en un freak de la industria, sino también en un artista de gran precisión cuando tuvo que abordar historias menos entreveradas como Una historia sencilla  o El hombre elefante, filmes de narrativas cinematográficas más lineales. En su arte siempre hay una placidez que precisa ser vejada: esta es la materia lyncheana. Pero a la vez surge el humor como un tercer espacio, muchas veces velado, que alumbra otra nueva superficie sensorial. Y surge el desconcierto, casi como una flor, de a poco.Así la oreja que despierta la investigación Blue velvet es la piedra fundacional donde descansará la historia. O la supuesta vida sosegada en Twin Peaks no es más que el paño donde se revelarán todos los horrores de la vida pueblerina. El accidente de Mulholland Drive nos conduce casi a ciegas en un film sobre la esquizofrenia y la locura. Así como la época victoriana en Londres es la tela de fondo para revelar la miseria humana en El hombre elefante.

Como gran parte de los grandes directores ha sabido elaborar una parcería única con un músico que expandió y tradujo  su imaginario personal a la partitura. Es el caso de Ángelo Badalamenti, músico sin igual  en las lides cinematográficas. Creador de formas únicas como los motivos de Twin peaks que generan tensión solamente al escuchar las dos primeras notas de la Rickenbacker octavada sobre las cuerdas sintetizadas, o la originalísima partitura de Inland empire en donde  se mixturan elementos de todo tipo, géneros musicales con instrumentaciones insólitas, voces y texturas dodecafónicas, máquinas de ritmo y teclados de última generación con melodías de gran lirismo. Todo bajo la tutela alucinada de David Lynch, que a cuento de un amigo, mientras intentaba transmitirle todo lo que había sentido durante la visión del filme me dijo: ”“¡Ah! ¡Es el hombre que se convirtió en pájaro!”.

Lynch inventó una nueva forma del suspense donde el solo hecho de ver a un personaje yendo hacia una puerta genera miedo. Demorar la subjetiva de un personaje hacia lo que va a ver, como el personaje desvariado en la cafetería en Mulholland Drive que descubre al mostrolinyera en esa especie de baldío abandonado en el medio de una ciudad, nos deja con el corazón en la boca. Lynch fue un artista del inconsciente donde la interpretación queda siempre puesta en duda porque todos los elementos con los que se expresa, en sus manos se vuelven paradojales y allí también anida la fuerza de su arte. Resumió con excelencia la idea del significado de la modernidad a través de una búsqueda expresiva permanente ligada a cuestiones técnicas de lenguaje cinematográfico, mezclado con el conocimiento de las estructuras de relatos y un íntimo respeto por las leyes de su corazón.

David Lynch encarnó al artista romántico en su máxima expresión. El hombre que se transformó en pájaro partió de este mundo. Fue un adalid de la libertad. Murió un artista con una obra eterna. Su legado está en manos de quienes continuaremos su labor. El día de su muerte hubo un hermoso cielo azul. Eso trató de transmitirnos. Y así lo despediremos quienes lo amamos porque nos ayudó a ser más libres.

17/01/25.

Cine

PorFito Páez

¿Qué hay detrás de la ‘ushanka’, la legendaria gorra rusa?

  

Alexandra Gúzeva

13 enero 2025

Cultura

Legion Media

Es uno de los suvenires más populares entre los que compran los extranjeros en Rusia, el atributo más reconocible de todas las películas de Hollywood en las que aparece Rusia y, sencillamente, ¡el gorro de invierno más útil!

 

¿Qué te viene a la mente cuando se imagina una ushanka? Adivinemos.

¿Probablemente Arnold Schwarzenegger en la película Calor Rojo?

Walter Hill/TriStar Pictures, 1988

¿O al cosmonauta borracho Lev Andrópov en Armageddon?

Michael Bay/Touchstone Pictures, 1998

Bueno, es una cuestión de honor que un personaje ruso estereotipado de una película de Hollywood lleve una ushanka, especialmente si se trata de un agente del KGB.

Debido a esta imagen generalizada, la ushanka se convirtió en un símbolo ruso reconocible, como la matrioshka y la balalaika. Y, como resultado, un suvenir popular. Y, por supuesto, si va a organizar una fiesta al estilo soviético, ¡no te debe faltar una ushanka!

Puesto de recuerdos en la Plaza Roja

Legion Media

¿Cuáles son los orígenes de la ‘ushanka’?

Si pensaba que los rusos llevaban la ushanka en el principio de los tiempos, ¡lo sentimos, tenemos que decepcionarle! La ushanka no apareció hasta el siglo XX.

A lo largo de su historia, los rusos han usado una enorme cantidad de tipos de gorros de invierno. Masculinos y femeninos, para nobles y campesinos…cada región tenía incluso su propia variante para protegerse la cabeza de la nieve y el viento. He aquí algunos ejemplos históricos.

Gorras rusas de invierno

Archivo de la Sociedad Geográfica Rusa

Ninguno de estos sombreros es realmente una ushanka. El único que se parece es el que está más arriba en la columna central.

De hecho, el ancestro de la ushanka se llama treuj. El nombre proviene de las palabras rusas три уха, o tri uja (“tres orejas”). Consistía en un gorro redondo y tres orejeras de piel que ocultaban las orejas, la nuca y la frente.

Un comerciante llevando un treuj

Fiódor Solntsev

Estos sombreros se conocen en Rusia desde el siglo XVII, e incluso las zarinas tenían algunos treujs ricamente decorados en sus armarios. Al mismo tiempo, los treujs estaban muy extendidos entre los campesinos rusos en el siglo XIX y principios del XX.

Se cree que sus orígenes proceden de Asia Central y que los rusos probablemente los tomaron prestados tras la invasión mongola o del comercio con las tierras asiáticas vecinas. El ejemplo más cercano de un treuj entre los pueblos de Asia Central es la malajái, una gorra alta con viseras largas.

Kirgiz en malajai, principios del siglo XIX

Dominio público

Uno de los primeros diccionarios explicativos de la lengua rusa describe la malajái como un “gorro de orejeras grandes”. Al mismo tiempo, un treuj es también un cálido gorro de piel de invierno con orejeras que se pueden levantar o dejar caer.

¿Cuándo apareció la ‘ushanka’?

La primera mención de "ushanka" en el diccionario se refiere a una forma dialectal de llamar al gorro con orejeras. Se cree que los primeros llamados ushanka aparecieron en Rusia durante la Guerra Civil de 1918-1919. Se extendieron entre los opositores a los bolcheviques, el Ejército Blanco de Alexánder Kolchak. Incluso había una “versión de verano” con pico.

Soldados de Alexánder Kolchak con ushankas y gorras de pico, 1919

Dominio público

En los años 30, la ushanka apareció en algunos departamentos navales del Ejército Rojo. En la década de 1940, se convirtió en el principal gorro de invierno del ejército y sigue siéndolo en la actualidad. Las orejeras del gorro solían atarse en la parte superior, mientras que la frente se decoraba con la estrella roja. En la actualidad, este sombrero se suele coser con pieles artificiales, pero en la época soviética se fabricaba con piel de oveja.

Un soldado ruso, 1990

Joe Bartlett

Sin embargo, la ushanka no sólo era un accesorio de las estructuras militares: también se integraba en la vida cotidiana rusa y, por su calidez, era muy popular, sobre todo en las regiones del norte.

La película soviética más emblemática, La ironía del destino, presenta a los dos protagonistas masculinos luciendo gorros ushanka. Uno (a la izquierda) parece barato y hecho de piel de baja calidad, mientras que el otro es muy presentable. Este hecho hace aún más dramática la escena en la que el personaje se ducha llevando aún el gorro y el abrigo (estaba borracho y desesperado).

"La ironía del destino"

Eldar Riázanov/Mosfilm, 1975

Todos los soviéticos llevaban gorras así, o soñaban con una similar.

Los extranjeros que viajaban a la URSS siempre optaban por ponerse una ushanka.

Constructores del Combinado Metalúrgico de Magnitogorsk, 1943

Sputnik

Como has podido ver, Brézhnev no llevaba una ushanka. El caso es que los generales, los comandantes del ejército y los líderes del país solían llevar un sombrero papaja sin orejeras.

El presidente estadounidense, Gerald R. Ford, se reúne con el líder soviético, Leonid Brezhnev, en Vladivostok, 1974

David Hume Kennedy/Gerald R. Ford Library

Tiempos modernos para un viejo gorro

Ahora los sombreros ushanka son accesorios de moda de estilo urbano, muy frecuentemente usados por las mujeres. Hoy en día también pueden aparecer fácilmente colocados en las cabezas de personas famosas, desde Rihanna hasta Kim Kardashian. Mientras que los diseñadores de moda de todo el mundo proponen su versión sobre cómo llevar y combinar conjuntos con este esencial invernal.

Berlin Fashion Week 2020

AFP

Al mismo tiempo, la ushanka sigue siendo un símbolo de los duros hombres siberianos y los leñadores

Obra colectiva: 50 Aniversario del triunfo de La Revolución. Las voces que cantaron a la libertad del pueblo cubano (2008)(actualizado)

 

Cuando se nos habla de la música de la Revolución Cubana probablemente lo primero que se nos viene a la cabeza es el Movimiento de la Nueva Trova. Sin embargo, antes de Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Noel Nicola, Vicente Feliú y el GESI, existieron otros muchos músicos que acompañaron el movimiento revolucionario que encabezó Fidel Castro y sacó del poder al dictador Fulgencio Batista. Músicos que, al ritmo de la guaracha, el son, el bolero, el guaguancó y otros sonidos propios del sazón cubano, le cantaron a los rebeldes barbudos, al Che, a Camilo, a Fidel, a la reforma agraria y al movimiento de esperanza libertaria que ellos encarnaban.

A objeto rescatar esta herencia musical en diciembre de 2008, con ocasión de conmemorarse los 50 años de la Revolución, Tumbao Cuban Classics publicó este doble CD que reúne 50 canciones representativas de los primeros años de la revolución. Muchas de ellas grabadas en 1959, el año en que Fidel y su gente ingresó en La Habana. Se trata de un trabajo de recopilación extraordinario, ya que muchos de los registros se encontraban inéditos, otros estaban perdidos e incluso había algunos que, según decían, nunca “existieron”, como la grabación en que aparece Celia Cruz junto a la Sonora Matancera cantando a Fidel y la reforma agraria (hasta su muerte Celia Cruz negó que le hubiera cantado alguna vez a la Revolución).

Una antología extraordinaria, registro histórico de un tiempo lleno de ilusiones.

Dice en la contraportada del CD:

Transcurridos 50 años desde el triunfo de la Revolución Cubana el 1 de enero de 1959, esta recopilación de canciones, muchas de ellas inéditas, no pretende ser una apología de la Revolución, ni hurgar en las heridas y sentimientos de los hermanos cubanos en el exilio. Es tan sólo una crónica musical que refleja el sentir de la mayoría del pueblo cubano que vivió, sufrió, luchó y murió por conseguir sus ideales de libertad. Un documento histórico y sonoro sin precedentes, cuya carga emotiva y dosis de sarcástico humor no dejará a nadie indiferente.

Contenido:

Rebeldía del guajiro (1948) (Guillermo Portabales)

Así canta el cubano (1952) (Trío Yara)

Ay, pobre Cuba (1952) (Ramón Veloz)

Que viva mi bandera (1953) (Evelio Rodríguez · Conjunto de Ñico Saquito)

Sierra Maestra (1957) (Daniel Santos y su Conjunto)

Eso que tiene Fidel (1958) (Quinteto Rebelde)

Soy fidelista (1958) (Quinteto Rebelde)

Respeto a Che Guevara (1958) (Quinteto Rebelde)

Que se vaya el mono (1958) (Quinteto Rebelde)

Guaguancó del 26 (1959) (Cascarita con el Conjunto de Arty Valdés)

Fidel ya llegó (1959) (Rolando Laserie y su Orquesta)

Muchas gracias Fidel (1959) (Ibrahim Ferrer · Carioca · Orquesta Mayia)

Vinieron a salvar a Cuba (1959) (Ibrahim Ferrer · Carioca · Orquesta Mayia)

El Chévere Guevara (1962) (García Escobar y su Conjunto)

Habana·Camilo (1959) (Chepín Choven y su Orquesta Oriental)

Ya soy feliz (1959) (Ibrahim Ferrer con Chepín Choven y su Orquesta)

Como dice Fidel (1959) (Bimbi y su Conjunto)

Victoria de la juventud (1959) (Daniel Santos y su Conjunto)

Que viva Fidel (1959) (Celina y Reutilio)

Canto al patriota (1959) (Carlos Quintana con Chepin y su Orquesta Oriental)

Del Escambray a La Habana (1959) (Evelio Rodriguez · Conjunto de Lily Martínez)

Ya te fuiste so cotorrón (1959) (Rodobaldo Cabana Libre y sus Milicianos)

Oh, caridad (1959) (Tony Mariño y su Orquesta)

Los chivatos (1959) (Cascarita con el Conjunto de Arty Valdés)

Héroes de La Sierra Maestra (1959) (Trío Los Piratas)

Décimas de La Revolución (1959) (Celina y Reutilio)

Revolución cubana (1959) (Conjunto Artemiseño)

Yo soy cubano (1959) (Papín y sus Rumberos)

¿Miedo para qué? (1959) (Luís Caney y su Orquesta)

Se te acabó la guapería (1959) (Cuarteto Los Ricardo)

Ponte a trabajar (1959) (Evelio Rodríguez con el Conjunto de Lily Martínez)

También la tumbé (1959) (Carlos Embale con el Septeto Nacional)

Se va el caimán (1959) (Luís Caney y su Orquesta)

Guajiro ya llegó tu día (1959) (Celia Cruz con la Sonora Matancera)

Reforma Agraria y Guaguí (1959) (Harry Lewis y su Banda)

Ya empezó la molienda (1959) (Carmelina Barbieri Conjunto Tienda del Pueblo)

Tierra y Libertad (1959) (Joseíto Fernández y su Conjunto)

Son humanista (1959) (Conjunto Lily Martínez)

Cuba, Cuba, Cuba (1960) (Felipe Dulzaides y sus Armónicos)

Se ha perdido una estrella (1960) (Arty Valdés y su Conjunto)

Héroe de libertad (1960) (Orquesta Copacabana de Cárdenas)

Rumba de mi Patria (1961) (Pio Leyva con la Orquesta de Joaquín Mendivel)

Edúcate cubano (1961) (Rodobaldo Cabana Libre y sus Milicianos)

Los obreros se divierten (1961) (Pio Leyva con su Orquesta)

¿Qué es lo que pasa en Cuba? (1961) (Alberto Aroche · Ñico Saquito y su Conjunto)

Pelotón, atención (1961) (Harry Lewis y su Banda)

Cuba no está sola (1962) (Carlos Puebla y sus Tradicionales)

Conmigo eso sí no va (1962) (Carlos Puebla y sus Tradicionales)

¿Y a nosotros qué? (1962) (Carlos Puebla y sus Tradicionales)

Sin bandera (1962) (Ramón Veloz)

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Parte 1

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Parte 2.(Añadido canciones que faltaban).

Pioneros de la RDA

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En la transición debió ser cambiada la toma pero no se hizo y nos dejó otra asignatura pendiente»

Ene 1, 2025

por

Antonio Arenas

en Educación en las Artes, Literatura.

Tras ‘Granada, 1936. Muerte de un periodista‘, prologado por Ian Gibson sobre la muerte del que fuera director del diario republicano El Defensor de Granada y ‘Los paseados con Lorca. El maestro cojo y los dos banderilleros‘, el periodista Paco Vigueras publica un nuevo libro ‘Toma de Granada. Crónica de una polémica‘ (Ed. Atrapasueños) con prólogo de Antonina Rodrigo. «Es un libro que tiene muchas horas de hemeroteca y de consulta en archivo pues he intentado que esté lo mejor documentado posible». En concreto, el libro dedicado a Juan Antonio Días y José Manuel Vigueras, «compañeros de Granada Abierta y artistas comprometidos con la Granada de las Culturas» que nos han dejado en 2024. Se presentará en el acto alternativo a la toma que tendrá lugar el 2 de enero, en la Plaza Mariana Pineda (11:30 h).

Cuenta con 350 páginas repartidas en 30 capítulos en los que hace un recorrido por la historia de esta celebración -que él prefiere denominar capitulación- desde sus orígenes hasta La Granada Abierta de Carlos Cano y un recorrido por todas las informaciones que han quedado reflejadas en la prensa local. Los primeros capítulos se detiene en la evolución de la Toma con motivo del cuarto centenario, durante la república, y el franquismo. Así mismo, se detiene en los diversos avatares acaecidos durante la transición, los primeros cambios, las polémicas surgidas con los ultras y en las redes sociales, el nacimiento de Granada Abierta, el apoyo de personalidades y actividades culturales a favor de la cultura y la convivencia, la propuesta de la recuperación de la Mariana, como fiesta local, etc. «Si leemos el libro veremos que durante la dictadura franquista la celebración de la toma tuvo uno de sus momentos de mayor auge hasta el punto que vino el propio dictador Franco que estuvo en el balcón del ayuntamiento donde hoy se hace tremolar el pendón. Después Franco también visitó la Capilla Real para rendir homenaje a los Reyes Católicos, reyes de la Inquisición. Hoy vemos cómo siguen yendo el ayuntamiento a la capilla real a hacer este homenaje», explica antes de añadir que con su libro pretende recordar que «en la transición a la democracia debió ser cambiada la toma pero no se hizo y nos dejó otra asignatura pendiente».

En más de una ocasión señala que lo quiere «invitar a reflexionar a las granadinas y granadinos de que hay otra forma de conmemorar el 2 de enero». Tal y como propone Granada Abierta se pretende que sea una fiesta en la que puedan participar todos y en la que todos nos sintamos representados y la mejor forma es cambiar la espadas, pendones y marchas militares por música y poesía que es lo que une a la gente.

En la transición debió ser cambiada la toma pero no se hizo y nos dejó otra asignatura pendiente»

Así mismo, relaciona distintas personalidades que han apoyado esta propuesta como el recientemente fallecido Federico Mayor Zaragoza, director general de UNESCO cuyo apoyo fue decisivo porque incluyó a Granada abierta en el el programa Cultura de la Paz También recuerda el apoyo importantísimo que tuvieron de Carlos Cano que compuso la canción de ‘Moros y Cristianos’ y que molestó mucho al entonces alcalde, Gabriel Díaz Berbel (PP) que les respondió con una frase islamófoba al decir que «quien no quiere la toma que se ponga un turbante y se vaya a Marruecos».

Granada Abierta considera que se trata de cambiar una tradición que es anacrónica, excluyente e insostenible en democracia ya que cada vez viene más extrema derecha a la Plaza del Carmen, por lo que es necesario cambiar esta celebración, adaptarla y actualizarla a una ciudad democrática y plural que en 2031 aspira a convertirse a Ciudad Europea de la Cultura. En la portada del libro aparece una imagen de Federico García Lorca con una especie de turbante y la célebre frase que dijo el poeta cuando el periodista Luis Bagaría del diario El Sol de Madrid al preguntarle sobre la toma y Federico dijo: «La toma fue un momento malísimo, aunque digan lo contrario en las escuelas. Se perdió una civilización admirable para dar paso a una ciudad pobre y acobardada, a una tierra del chavico donde actualmente se agita la peor burguesía de España». Frase que molestó mucho en Granada.

El libro ha sido publicado por la Editorial Atrapasueños con motivo del 30º aniversario de Granada Abierta (1995-2025), está ya disponible en Librería Babel y on line y se presentará el jueves, 2 de enero, en el acto alternativo que se celebrará en la Plaza Mariana Pineda a partir de las 11:30 h, donde intervendrán los cantaores Juan Pinilla y Chanquete, acompañados a la guitarra por Francisco Manuel Díaz, a la guitarra. En dicho acto se incluye la lectura poética colectiva, coordinada por Pepa Merlo, titulada: ‘Lorca dijo no a la Toma’.